Andreas Schmitten | SESSHAFT
KÖNIG GALERIE | NAVE | 26.6.–29.8.2021
ANDREAS SCHMITTEN
SESSHAFT

ST. AGNES | NAVE
26 June - 29 August

KÖNIG GALERIE presents SESSHAFT, the first solo exhibition of Andreas Schmitten in the NAVE of St. Agnes.

The exhibition shows new large-scale spatial sculptures. The monumentality of the works is emphasized by the high walls and sacred atmosphere of the former church space. In the past, "overpresentation" was common, especially in churches. Schmitten reinforces this impression with elaborately crafted pedestals, some of which are more prominent than the sculptures they support. The reduced formal language of the works and the perfect craftsmanship with which they are made encourage associations with design. The comparison, however, ignores an essential difference: design is focused on functionality, while Schmitten's sculptures solely fulfill their purpose in themselves as artistic objects.

The title of the exhibition, SESSHAFT [Settled], refers to the human way of life. Since humans abandoned the nomadic lifestyle ten thousand years ago, they have left ever more obvious traces of their existence, also in the form of artistic production. Globalization is making this lifestyle increasingly vulnerable.

Schmitten deals with questions about forms of life: For him the pandemic was a turning point that put a spotlight on humanity and how we live together. Whereas Schmitten's sculptures had previously often been negatives of human bodies, bodily fragments are now clearly visible. These elements in the form of legs, arms and a face merge seamlessly into basins. As a place of purification, these usually serve to rinse away bodily secretions, an action that suddenly took on special significance during the pandemic.

SESSHAFT challenges the viewer to reflect on current ways of life and human interaction.

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Martin Germann about SESSHAFT:

So, here they are: the latest works by the sculptor Andreas Schmitten (*1980 in Neuss, Germany), on display in the shotcrete NAVE that is the central exhibition space of the KÖNIG GALERIE. The works were developed over the last two years, in the artist’s home studio, a place that’s steeped in history and located in the central outskirts, not far from a farm attraction. They were created during a period partly characterised by social paralysis: the pandemic halted the rush of time and brought back to light what had been overwritten or seemed conveniently forgotten. Catapulted out of the matrix of routine, we gained a completely different awareness of the details inherent in everything, from the Egyptian Pyramids to Oberhausen’s Centro shopping mall, right on the doorsteps to our homes, where we stayed the whole time.

This newfound proximity to our surroundings brought its subconscious flooding back into view: where streams of desire and constant motion ground to a halt, the cultural desolation of our public spaces after 30 years of neo-liberal acceleration was exposed – the small-town railway stations and pedestrian precincts of West Germany being the perfect examples. Andreas Schmitten and I grew up in the 1980s Rhineland, amid the slow agony of the welfare state and atypical “West German” public spaces that, looking back, at least matched the largest of all the halls in the KÖNIG GALERIE for neatness, although they were actually probably quite different.

And yet it’s in these halls that Schmitten’s most ambitious group of works to date nestles, with resolute effect, showing neither restraint nor discretion nor modesty. In fact, the attention these works demand verges on the excessive, just like their colour scales, which range from signal red and turquoise through to bright pink and beyond. As always, the rhetorics of the plinths, curtains, showcases and other display furniture merge and eclipse each other; display props and display items compete, thwarted by each other’s constructions. The result is a language of eloquent emptiness that – through its seated, standing and lying figures – mirrors the history of the representation of the figure, as well as its gradual exorcism and dissolution into minimalism and conceptual art. The flow of this ensemble stems partly from the multi-tonne constructions, a material inertia that reflects wishes as hygienically as it disregards them – but also, to an almost equal degree, from the acrylic and other materials that are used.

Andreas Schmitten’s artistic work comes almost 30 years after the invention of the World Wide Web, whose own inherent monumentality has over the years influenced the categories of place, time, presentation and reception that sculpture must inevitably confront. But Schmitten’s work doesn’t follow the logic of a sculptural art that disavows images and atomises into the social and physical; far more – whether fragmented arms, abdomens, legs, heads or anything else – every element of Schmitten’s work speaks. What talks from its belly is the monumentality behind its clear-cut user interfaces, a monumentality that brings a new uncanniness to existing ideas of inwardness and substance, and is founded on the engineering ethos of pure practicability and penetrates every pore of our lives.

Time and again, Schmitten’s work varies the primeval form of the basin, used in purification and initiation, and its outflow, representing the threshold between life and death. It therefore marks out voids, substitutes. His works are imprints, marks of an absence, or perhaps of a memory. After all, every one of these works has a biographical starting point, which Schmitten takes, builds on and gradually camouflages to create objective, plastic-metaphorical instruments for managing human desire. Ultimately, his works provide stages for the art-world theatricals of consumption and reception to be performed, administrated and orchestrated within the NAVE by the staff of KÖNIG GALERIE. At a moment when much-needed global relativisations are eroding the traditional values of western art history, Schmitten’s work is on the offensive: it takes up these values, revealing itself as a mock-up of them, de-camouflaged from the periphery, only to withdraw again in an instant. Possibly so the artist can carry on working in peace, from his home in Neuss, on something more long-term in nature.

ANDREAS SCHMITTEN
SESSHAFT


ST. AGNES | NAVE
26. Juni - 29. August

Die KÖNIG GALERIE präsentiert mit SESSHAFT die erste Einzelausstellung von Andreas Schmitten in der NAVE von St. Agnes.

Die Ausstellung zeigt neue großformatige Raumskulpturen. Die Monumentalität der Arbeiten wird durch die hohen Wände und sakrale Atmosphäre des ehemaligen Kirchenraums betont. In der Vergangenheit war die “Überpräsentation” besonders in Kirchen gängig. Schmitten verstärkt diesen Eindruck durch die aufwendig gearbeiteten Sockel, die zum Teil auffälliger sind als die Skulpturen, die sie tragen. Die reduzierte Formsprache der Arbeiten und die handwerkliche Perfektion, mit der sie gefertigt sind, fördern Assoziationen zum Design. Der Vergleich jedoch lässt einen wesentlichen Unterschied außer Acht: Design ist auf Funktionalität ausgerichtet, während Schmittens Skulpturen einzig und allein ihren Selbstzweck als künstlerische Objekte erfüllen.

Der Titel der Ausstellung, SESSHAFT, nimmt Bezug auf die menschliche Lebensweise. Seit die Menschen vor zehntausend Jahren das Nomadenleben aufgaben, hinterlassen sie immer deutlichere Spuren ihres Lebenswandels, das gerade auch in Form künstlerischer Produktion. Durch die Globalisierung wird diese Lebensweise zunehmend anfällig.

Fragen zu Lebensformen beschäftigen Schmitten: Corona war für ihn eine Zäsur, die Menschlichkeit und die Form des Zusammenlebens in den Fokus gerückt hat. Waren Schmittens Skulpturen bisher häufig Negativformen von menschlichen Körpern, sind jetzt körperliche Fragmente deutlich ausgebildet. Diese Elemente in Form von Beinen, Armen und einem Gesicht gehen nahtlos in Becken über. Diese dienen als Ort der Reinigung dazu, Körperabsonderungen abzuspülen, eine Handlung, die während der Pandemie plötzlich besondere Bedeutung zukam.

SESSHAFT fordert die Betrachter:innen zu einer Reflektion über aktuelle Lebensweisen und das menschliche Miteinander heraus.

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Martin Germann über SESSHAFT:

Hier sind sie nun, die neuen Werke des Neusser Bildhauers Andreas Schmitten (*1980), in der NAVE, dem betongespritzten, zentralen Ausstellungsraum der KÖNIG GALERIE. Entwickelt wurde die Ausstellung über die letzten zwei Jahre in einem geschichtsreichen, nahe eines Kinderbauernhofs in zentraler Randlage gelegenen Wohnatelier, während einer geteilten Phase gesellschaftlicher Lähmung. Der Rausch der Zeit war gestoppt, überschrieben und verdrängt Geglaubtes legte sich während der Pandemie frei- aus der Matrix der Routinen geworfen wurden wir den Details zwischen der ägyptischen Pyramiden und dem Oberhausener Centro, also vor unserer Haustür, wo wir blieben, einmal ganz anders gewahr.


Das Unterbewusstsein unserer Umgebung quoll durch die neue Nähe ins Blickfeld: Kamen die Begehrensströme und das ständige Gleiten zum Stillstand, so offenbarte sich die kulturelle Verwüstung des öffentlichen Raumes nach 30 Jahren neoliberaler Beschleunigung– die westdeutschen kleinstädtischen Bahnhöfe und Fußgängerzonen einmal als Paradebeispiel genannt. Andreas Schmitten und ich sind im Rheinland der 1980er Jahre aufgewachsen, inmitten der langsamen Agonie des Wohlfahrtsstaates und einer „BRD Noir“-Öffentlichkeit die im Blick zurück mindestens so gepflegt wie der größte aller Säle in der KÖNIG GALERIE erscheint, aber vermutlich doch ganz anders war.

Hier aber schmiegt sich Schmittens bislang ambitionierteste Werkgruppe ein und operiert konsequent: weder dezent, diskret noch zurückhaltend. Die eingeforderte Aufmerksamkeit balanciert an der Grenze zum Exzess, wie die verwendeten Farbskalen: signalrot, türkis, pink und noch mehr. Wie stets überblenden und überbieten sich Rhetoriken der Präsentation wie Sockel, Vorhang oder Vitrine – Gezeigtes und Zeigendes konkurrieren miteinander und bremsen einander konstruktiv aus. Als Resultat verbleibt eine Sprache beredter Leere, die mit Sitzenden, Stehenden und Liegenden die Bildgeschichte der Figur ebenso wie ihre schrittweise Exorzierung und Auflösung in Minimalismus und Konzeptkunst absorbiert. Das Fließende des Ensembles fußt auf teils tonnenschwerer Konstruktion, einer dinglichen Trägheit, die Wünsche so hygienisch spiegelt, wie es sie abperlen lässt – weitere verwendete Materialien wie Acryl stehen dem kaum nach.

Andreas Schmittens künstlerische Arbeit 
findet knapp 30 Jahre nach der Erfindung des World Wide Web statt, dessen ureigene Monumentalität seither die Kategorien des Ortes, der Zeit, der Präsentation und Rezeption beeinflusst, mit denen Skulptur sich zwingend auseinandersetzen muss. Bei Schmitten folgt sie jedoch nicht der Logik einer sich von Bildern abwendenden, ins Soziale wie ins Physikalische atomisierenden Bildhauerei, denn sprechend ist hier alles: die fragmentierten Arme, Unterkörper, Beine, Köpfe und vieles mehr. Was aus dem Bauch dieser Arbeit spricht ist die Monumentalität hinter den sauberen Benutzeroberflächen, die bestehenden Ideen von Innerlichkeit und Substanz eine neue Form der Unheimlichkeit hinzufügt– eine, die auf dem Ingenieursethos bloßer Machbarkeit fußt, der in jede Pore des Lebens eingedrungen ist.

Wiederholt die Urform des reinigenden und initiierenden Beckens und dessen Abfluss – die Schwelle zwischen Leben und Tod – variierend, markiert Schmittens Werk daher Leerstellen, Substitute. Es sind Abdrücke, Lesezeichen einer Abwesenheit, vielleicht aber auch einer Erinnerung – denn ein biografischer Ausgangspunkt steht immer am Anfang dieser künstlerischen Arbeit. Darauf aufbauend und diese schrittweise camouflierend kreiert 
Schmitten dingliche, plastisch-metaphorische Armaturen für das Management menschlicher Wünsche. Letztlich sind seine Werke Bühnen, mittels derer sich das kunstweltliche Schauspiel der Konsumption und Rezeption vollziehen darf, welches unterhalb der NAVE von den Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern der KÖNIG GALERIE administriert und orchestriert wird. Just in einem Moment, in dem tradierte Werte westlicher Kunstgeschichte im Zuge notwendiger globaler Relativierungen erodieren, schließen Schmittens Werke offensiv an diese an – um sich als deren Mock-up aus der Peripherie enttarnt, dem gleich wieder zu entziehen. Vielleicht, damit der Künstler zuhause in Neuss ruhig weiterarbeiten kann, an einer Langfristigkeit.