KÖNIG GALERIE NAVE | 30.10.–15.12.2020


It is with great pleasure that KÖNIG GALERIE presents AT 30 PACES SHE COULD SPLIT A PLAYING CARD, an exhibition featuring new works by Katharina Grosse in the NAVE of St. Agnes. It is the artist’s third solo show in our gallery. On display are new, large-format works on canvas and plywood, which were created in Berlin and New Zealand. 

Katharina Grosse’s painting maintains a position outside the categories of representation and abstraction: it operates in reality and on reality. To this end, it employs a directed haze of tiny droplets of paint so as to leave traces of paint and colour even over a distance and to move with ease across the borders of things. Grosse has stated that painting can precipitate everywhere and anywhere (in the real world) – on any surface and any object that sprayed paint can reach. Thus, places on which painting can be seen function as surfaces for deposits of colour that can also show up elsewhere: every work realized is a fragment. As fragments, the individual paintings establish a connection with yet more expansive painting that would potentially dissolve all the conventional subdivisions of the real world. This painting cannot itself be seen, known, or described – but it is the source from which the colour precipitation derives its being.

On display in the current exhibition are large and less large rectangular canvas formats alongside paintings on irregularly delimited supports constructed out of several partly overlapping plywood panels. Grosse painted the canvasses in her Berlin studio and the works on plywood in her studio in New Zealand. These different locations are reflected in differing manners of painting and, on the aesthetic plane, in differing family resemblances: the Berlin works are marked by broad, transparent swathes of colour blended into one another and by a certain prevailing chromaticity, whereas in the pictures from New Zealand the reserved multi-coloured quality of the sharply separated paint slashes are juxtaposed with a largely black portion. In each case, the paint has been sprayed onto the support in more or less uniform swinging movements. This readily legible dynamism of the repetitive painting process produces, however, effects in colour space that remain unreal since the temporal build-up process of the overlaid traces of colour cannot be reconstructed by the human gaze. Thus, these works combine elements of immediate and accustomed plausibility with elements of irrationality and bemusement, calling into question the connection between cause and effect.

All that can be seen is pervaded by the presence of colour that has been covered over and has become invisible: what remains visible is the uppermost layer of a sediment that has, in the course of a process over time, buried other layers of colour beneath it. A specific piece of evidence for this co-ordinated deposition of colour is a linear, erratically moved disturbance produced by twigs or lengths of twisted plastic material that were attached to the painting support before the start of the spraying process and were finally (in most cases) removed again. At the same time, nothing can be seen except that part of the painting that settled on the transportable surfaces, while the complete precipitation of paint clearly extends far beyond the limits of the flat picture supports. An unknown part of the painting – whose existence can, however, be deduced – has fallen outside the plywood panels or canvasses, on the floor or wall of the studios in New Zealand or Berlin. It is not the painting that is adjusted to fit the given support, but the support’s form and placing that determines the picture: had the spatial disposition of the painting’s support been different, a different picture would have been registered.

Hence the individual works in the exhibition can be understood as repeatedly shifted, changed, and exchanged projection surfaces, which in each case allow to be seen what other projection surfaces exclude from sight. As with the works sprayed in situ, the works exhibited here in the NAVE of St. Agnes pose first and foremost the question as to location: where is the painting?
Each individual work in the exhibition bears the imprint of the painting that it does not show under the condition of included time and excluded space. Thus the ambition of Grosse’s painting is to make the deficiency of the individual work into its actual subject-matter. If a painting succeeds in linking up with that part of painting that cannot be seen, then the potentiality of painting is brought to the fore. This results in curious paradoxes: a picture is the stronger the less it presents itself as a concluded and completed realization. Conversely, it requires such a realization to accord significance to what the picture lacks.

At 30 paces she could split a playing card is a phrase originally used to characterize the American sharpshooter Annie Oakley, who performed from 1885 onwards in Buffalo Bill’s Wild West Show.

Text: Ulrich Loock
Translation: Richard Humphrey
Since more than twentyfive years, the artist Katharina Grosse (b. 1961, Freiburg im Breisgau) has been internationally present in the art world. Recent institutional exhibitions and in situ paintings include psychylustro, for the Philadelphia Mural Arts Programme (2014); yes no why later at Garage Museum of Contemporary Art, Moscow (2015); Seven Hours, Eight Voices, Three Trees at Museum Wiesbaden (2015); Untitled Trumpet for the 56th Biennale di Venezia (2015); Katharina Grosse at Museum Frieder Burda, Baden-Baden (2016); Rockaway for MoMA PS1’s Rockaway! programme in Fort Tilden, New York (2016); Asphalt Air and Hair at ARoS Triennial, Aarhus (2017); This Drove My Mother up the Wall at the South London Gallery, UK (2017); The Horse Trotted Another Couple of Metres, Then It Stopped at Carriageworks, Sydney (2018); Wunderbild at the National Gallery in Prague (2018/2019); Mumbling Mud at chi K11 art museum in Shanghai (2018/2019) and at chi K11 art space in Guangzhou (2019); Mural: Jackson Pollock I Katharina Grosse at the Museum of Fine Arts, Boston (2019/2020). Currently two shows are on view: Is It You? at the Baltimore Museum of Art and It Wasn’t Us at Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart - Berlin. The artist lives and works in Berlin and New Zealand.
30. OKTOBER – 18. DEZEMBER 2020


Die KÖNIG GALERIE freut sich, mit AT 30 PACES SHE COULD SPLIT A PLAYING CARD eine Ausstellung mit neuen Werken von Katharina Grosse in der NAVE von St. Agnes zu präsentieren. Es ist die dritte Einzelausstellung der Künstlerin in der Galerie. Gezeigt werden großformatige Arbeiten auf Leinwand und Sperrholz, die in Berlin und Neuseeland entstanden.

Die Malerei von Katharina Grosse hält sich außerhalb der Kategorien von Repräsentation und Abstraktion: Sie operiert in der Wirklichkeit und mit der Wirklichkeit. Dabei bedient sie sich eines dirigierten Nebels aus winzigen Farbtropfen, um auch über die Distanz farbige Spuren zu hinterlassen und widerstandslos die Grenzen der Dinge zu queren. Dazu hat Grosse gesagt, dass Malerei sich überall (in der Wirklichkeit) niederschlagen kann – auf jeder Fläche, auf allen Gegenständen, die mit gesprühter Farbe erreicht werden. So fungieren Stellen, an denen Malerei zu sehen ist, als Flächen für farbige Ablagerungen, die sich auch anderswo zeigen können – jede realisierte Arbeit ist ein Fragment. Als Fragmente stellen die einzelnen Malereien einen Anschluss her zu weiter ausgreifender, alle konventionellen Unterteilungen der Wirklichkeit auflösender Malerei. Diese Malerei ist selbst nicht zu sehen, zu kennen oder zu beschreiben, aus ihr aber speist sich der farbige Niederschlag.

In der Ausstellung werden große und weniger große rechteckige Leinwandformate neben Malereien auf unregelmäßig begrenzten Bildträgern gezeigt, die aus mehreren einander teilweise überlagernden Sperrholzplatten zusammengesetzt sind. Grosse hat die Leinwände in ihrem Atelier in Berlin gemalt, die Arbeiten auf Sperrholz in ihrem Atelier in Neuseeland. Den verschiedenen Orten entsprechen verschiedene Malweisen und unterschiedliche ästhetische Familienähnlichkeiten: Die Bilder aus Berlin sind bestimmt durch breite, transparente, ineinander geblendete Farbbahnen und eine bestimmte vorherrschende Farbigkeit, während in den Bildern aus Neuseeland die kühle Buntheit der scharf voneinander abgesetzten Farbschlitze einem überwiegenden Schwarzanteil gegenübersteht. Jeweils wird die Farbe mit mehr oder weniger gleichförmig schwingenden Bewegungen aufgesprüht. Aus der nachvollziehbaren Dynamik des repetitiven Malprozesses aber ergeben sich farb-räumliche Effekte, die irreal bleiben, da der zeitliche Aufbau von übereinander liegenden Farbspuren aus der Anschauung nicht rekonstruierbar ist. So verbinden diese Arbeiten Momente der unmittelbaren und alltäglichen Plausibilität mit Momenten von Irrationalität und Irritation und stellen die Verbindung von Ursache und Wirkung in Frage.
Alles Sichtbare ist durchzogen von der Anwesenheit überdeckter und unsichtbar gewordener Farbe: Was zu sehen ist, ist die oberste Schicht eines Sediments, das in einem zeitlichen Verlauf andere Farbschichten unter sich begraben hat. Spezielles Indiz für die koordinierte Ablagerung von Farbe ist eine lineare, erratisch bewegte Störung, erzeugt durch Zweige oder Längen geknickten Kunststoffmaterials, die vor Beginn des Sprühprozesses auf der Bildtafel befestigt und zum Schluss (in den meisten Fällen) wieder entfernt werden. Gleichzeitig ist nichts als jener Teil der Malerei zu sehen, der die transportablen Flächen getroffen hat, während der vollständige farbige Niederschlag offensichtlich weit über die Begrenzungen der flachen Bildträger hinausläuft. Ein unbekannter Teil der Malerei, auf den jedoch zu schließen ist, hat sich außerhalb der Sperrholzplatten oder Leinwände auf dem Fußboden oder der Wand des Ateliers in Neuseeland oder Berlin abgesetzt. Nicht wird die Malerei dem vorgegebenen Bildträger angepasst, sondern dessen Form und Platzierung bestimmt das Bild: Eine andere räumliche Disposition des Malgrundes hätte ein anderes Bild registriert.

So lassen sich die einzelnen Arbeiten in der Ausstellung als wiederholt verschobene, veränderte und ausgewechselte Projektionsflächen verstehen, die jeweils zu sehen geben, was andere Projektionsflächen von der Sichtbarkeit ausschließen. Wie auch bei den in situ gesprühten Werken steht in den nun gezeigten, auf transportablen Bildträgern ausgeführten Arbeiten die Frage des Ortes an erster Stelle: Wo ist die Malerei?
Jede einzelne Arbeit in der Ausstellung ist geprägt durch die Malerei, die sie nicht zeigt unter Bedingung von eingeschlossener Zeit und ausgeschlossenem Raum. So zielt Grosses Malerei darauf hin, den Mangel des einzelnen Werkes zu dessen eigentlichem Gegenstand zu machen. Wenn es gelingt, mit einer Malerei anzuschließen an das Nicht-zu-Sehende der Malerei, tritt deren Potentialität in den Vordergrund. Damit ergeben sich eigentümliche Widersprüche: Das Bild ist umso stärker, je weniger das Bild als abgeschlossene, vollendete Setzung auftritt. Umgekehrt bedarf es einer solchen Setzung, um dem Bedeutung beizumessen, was dem Bilde fehlt.

At 30 paces she could split a playing card – auf 30 Schritt Entfernung konnte sie eine Spielkarte von der Seite entzweischießen – so heißt es von der amerikanischen Scharfschützin Annie Oakley, die ab 1885 in Buffalo Bill’s Wild West Show aufgetreten ist.
Text: Ulrich Loock
Die Künstlerin Katharina Grosse (*1961, Freiburg im Breisgau) ist seit mehr als 25 Jahren auf dem internationalen Parkett vertreten. Zu ihren jüngsten institutionellen Ausstellungen und ortsbezogenen Malereien gehören unter anderem „psychylustro“ im Rahmen des Philadelphia Mural Arts Programme (2014); „yes no why later“ im Garage Museum of Contemporary Art, Moskau (2015); „Seven Hours, Eight Voices, Three Trees“ im Museum Wiesbaden (2015); „Untitled Trumpet“ im Rahmen der 56. Biennale di Venezia (2015); „Katharina Grosse“ im Museum Frieder Burda, Baden-Baden (2016); „Rockaway“ im Rahmen des MoMA PS1-Programm "Rockaway!" in Fort Tilden, New York (2016); „Asphalt Air and Hair“ im Rahmen der ARoS Triennale, Aarhus (2017); “This Drove My Mother up the Wall“ in der South London Gallery (2017); „The Horse Trotted Another Couple of Metres, Then It Stopped” im Carriageworks, Sydney (2018); „Wunderbild“ in der Nationalgalerie in Prag (2018/2019); „Mumbling Mud“ im chi K11 art museum in Shanghai (2018/2019) sowie im chi K11 art space in Guangzhou (2019); „Mural: Jackson Pollock I Katharina Grosse“ im Museum of Fine Arts, Boston (2019/2020). Aktuell sind ihre Ausstellungen „Is It You?“ im Baltimore Museum of Art und „It Wasn’t Us“ im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin zu sehen. Sie lebt und arbeitet in Berlin und Neuseeland.