MATTHIAS WEISCHER | NAVE | König Galerie | 27.4.–26.5.2019
MATTHIAS WEISCHER
27 APRIL – 26 MAY 2019
ST. AGNES | NAVE
OPENING: 26 APRIL, 6 – 9 PM 


During Gallery Weekend, Matthias Weischer is showing 16 new works in the Nave, the main exhibition space at the former St. Agnes church. Having predominantly focused on landscape painting in recent years, he now returns to his origins. In the early 2000s he became well-known for his striking interiors, a subject matter that he takes up once again. These square, small-format works are defined by four color surfaces that form a kind of viewing box—a format that was already present in the artist’s work fifteen years ago. Observing the differences in the work between then and now, thus becomes even more interesting.

Weischer now works in series, in which he portrays the same imagery on three or four canvases but with subtle variations, as in a group of paintings showing a mattress. The visual space of each work is identically constructed, and the images only differ in color and in the position of the depicted objects. In contrast to earlier works, these are not hermetic realms of color; the space of the image is also structured through ornamental details. In these works, the rooms have a kind of stucco border framing the perimeter. The border does not correspond to classical decor. Instead, with its modern-looking geometric pattern it seems to function as an ironic commentary on ornamentation itself. Didn’t modern architecture declare ornament a “crime,” banning it from interior architecture? This constructivist border element is something of a painted oxymoron and poses a contrast to the floral pattern on the mattress leaning against the wall.

These images not only show a tendency to emphasize a more overt structuring of the surface, but also below the pillow on the ground one sees a place where the pictorial space seems to be breaking down into its original components. At first, one thinks that scattered articles of clothing are depicted, but the longer one looks the more amorphous the impression becomes, until one ultimately sees nothing more than dried paint on the floor. Sometimes Weischer paints the patterned surfaces of his interiors in such a way that shows the materiality of the paint and the canvas. In the process, the depicted living units become lived-in spaces, and traces of paint serve as signs of life. One could certainly describe this small series as a set of conceptual images that convey, in condensed form, something about Weischer’s intentions: his images are now both more consciously composed and more stringently reduced to their essentials. The tension that the new interiors hold stems from the contradiction between the use of ornament and the chosen color palette.

A series of three images recalling hotel rooms show most clearly where this new departure is leading, especially because the interior furnishings of these spaces remain consistently the same. The standard furnishings of each room include a bed, a stool, a lamp, and a shower curtain. Personal items such as a bouquet of flowers, a book, or a calendar vary in each image. In essence, the hotel room embodies the modular living environments that have long become an accepted part of everyday life. The patterns and ornamentation of the wall paper, shower curtain, bed cover, and closet doors convey a heightened awareness for industrial design. The images seem to be metaphors for how much or little the humans who inhabit these spaces can actually alter them. For this reason human figures now appear more frequently and in less sketchy form than in Weischer’s older images. Ultimately art itself becomes part of the interior decor, as one notices in the depicted reproductions of historical paintings, hung always at the same location in the different images. Exemplifying various art historical epochs, these pictures within a picture stand out in the abstract interiors. What one notices in this double twist of images and what only this reproduction of reproductions makes clear is how industrial design lacks the aesthetic and spiritual content that recognizable and familiar imagery provides.

 

Matthias Weischer (*1973 in Elte, Germany) lives and works in Leipzig, where he completed his Masters at the Academy of Fine Arts Leipzig in 2003. He has had solo exhibition at the Gemeentemuseum, Den Haag (2014); Museum der bildenden Künste Leipzig (2010); Kunsthalle Mainz (2009); Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (2009); Neuer Berliner Kunstverein (2007); and Ludwig Forum Internationale Kunst, Aachen (2006). In 2005 Weischer participated in the Prague Biennale and the 51st Venice Biennale. He was awarded the Eduard-Arnhold-Stipendium (2017), the residency fellowship of the Deutsche Akademie Rom Villa Massimo, Rome (2007); the art prize of the Leipziger Volkszeitung (2005); and the working fellowship of Stiftung Kunstfonds Bonn e.V. (2002). He has also won a number of awards, including the August Macke Prize of the City of Meschede (2005) and the Rolex Mentor and Masterstudent Initiative with David Hockney (2004). Works by Weischer are part of numerous collections, including Weserburg, Bremen; Museum Voorlinden, Wassenar; Arken Museum of Modern Art; Museum für Moderne Kunst (MMK), Frankfurt am Main; Gemeentemuseum, Den Haag; MOCA Grand Avenue, Los Angeles, and The Saatchi Gallery, London. His work has been the subject of multiple monographic publications.


Text: Harry Lehmann

MATTHIAS WEISCHER
27 APRIL – 26 MAI 2019
ST. AGNES | NAVE
ERÖFFNUNG: 26 APRIL, 18 – 21 PM



Matthias Weischer zeigt zum Gallery Weekend 16 neue Werke in der Nave der König Galerie. Der Maler, der sich in den letzten Jahren verstärkt der Landschaftsmalerei zugewandt hatte, ist zu seinen Ursprüngen zurückgekehrt: Weischer war Anfang der 2000er Jahre vor allem mit eindrucksvollen Interieurs bekannt geworden und knüpft nun wieder an dieses Bildsujet an. Die kleinformatigen quadratischen Bildräume, die aus vier Farbflächen zu einer Art Guckkasten zusammengefügt sind, konnte man bei dem Künstler auch schon vor fünfzehn Jahren sehen. Umso interessanter sind die Abweichungen, die sich jetzt erkennen lassen.

Weischer arbeitet nun in Serien, bei denen auf drei, vier Bildern das gleiche Sujet mit leichten Variationen wiedergegeben wird, etwa bei jenen Bildern mit einer Matratze. Die Bildräume sind identisch konstruiert, unterscheiden sich aber in ihrer Farbigkeit oder in der Lage der Gegenstände. Zudem handelt es sich nicht mehr wie bei den früheren Arbeiten um hermetische Farbräume, sondern diese werden jetzt zusätzlich von Ornamenten strukturiert. So sind alle vier Räume von einer Stuckleiste umrandet, die aber keine klassischen Verzierungen aufweist, sondern mit ihrem modern wirkenden geometrischen Muster zum ironischen Kommentar über das Ornament wird. Hatte die moderne Architektur nicht im Ornament ein „Verbrechen“ gesehen und es aus der Innenarchitektur verbannt? Der konstruktivistische Stuck ist so etwas wie ein gemaltes Oxymoron und steht seinerseits im Kontrast zu den floralen Ornamenten der an der Wand lehnenden Matratzen.

Es gibt in diesen Bildern nicht nur jene Akzentverschiebung zu einer stärkeren Strukturierung, sondern unterhalb der Kopfkissen kann man auch eine Stelle erkennen, wo sich der Bildraum in die Elemente aufzulösen scheint, aus denen er entstanden ist. Im ersten Moment denkt man vielleicht an verstreute Kleidungsstücke, doch je länger man hinsieht, desto amorpher wird der Eindruck, bis man am Ende nichts als eingetrocknete Farbe auf dem Fußboden wahrnimmt. An manchen Stellen malt Weischer die Designoberflächen der Interieurs in einer Weise, dass man ihnen die Materialität der Farbe und der Leinwand ansieht. Hier verwandeln sich die Wohnmodule in bewohnte Räume, die Malspuren werden zu Lebensspuren. Man kann diese kleine Serie durchaus als Konzeptbilder betrachten, die in komprimierter Form etwas über die Intention aussagen, die Weischer verfolgt: seine Bilder sind jetzt konstruierter und elementarer zugleich. Aus diesem Widerstreit zwischen Ornament und Farbpallette gewinnen die neuen Interieurs ihre Spannung.

Wo dieser Neuansatz hinführt, zeigt sich bei der Serie aus drei Bildern am deutlichsten, die an ein Hotelzimmer erinnern, gerade weil die Inneneinrichtung der Räume immer gleich bleibt. Die Gegenstände, die zur Standardausstattung gehören wie Bett, Hocker, Lampe, Duschvorhang, finden sich in jedem Raum wieder; persönliche Sachen wie ein Blumenstrauß, ein Buch, ein Kalender und die Kleidung variieren im Bild. Eigentlich versinnbildlicht das Hotelzimmer aber die modularen Lebensräume, in denen man sich auch im Alltag längst eigerichtet hat. Der Blick für das Industriedesign wird durch das Ornament geschärft, das sich gleichermaßen auf den Tapeten, Duschvorhängen, Bettdecken und Schrankwänden wiederfindet. Die Bilder scheinen zur Metapher dafür zu werden, wieviel oder wie wenig Gestaltungsspielraum den Menschen tatsächlich bleibt, die in diesen Räumen leben. Deshalb tauchen bei Weischer auch häufiger und weniger umrisshaft als früher Figuren in den Bildern auf. Am Ende gehört selbst noch die Kunst zur Innenausstattung, wie man an den Gemälde-Reproduktionen sieht, die jeweils an derselben Stelle im Raum angebracht sind. Diese Bilder im Bild, die exemplarisch für ganz unterschiedliche Kunstepochen stehen, stechen aus den abstrakten Interieurs heraus. Was man ihnen selbst in dieser doppelten Brechung noch ansieht und was sich wohl erst in einer solchen reproduzierten Reproduktion zeigt, ist, dass diese einem bekannt und vertraut vorkommenden Bildsujets einen ästhetischen und geistigen Gehalt aufweisen, den das Industriedesign nicht besitzt.
 

Matthias Weischer (*1973 in Elte, Deutschland) lebt und arbeitet in Leipzig, wo er seine Masterstudien an der Hochschule für Grafik und Buchkunst 2003 absolvierte. Einzelausstellungen fanden im Gemeentemuseum, Den Haag (2014); Museum der bildenden Künste Leipzig (2010); Kunsthalle Mainz (2009); Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (2009); Neuer Berliner Kunstverein (2007) und Ludwig Forum Internationale Kunst, Aachen (2006) statt. Im Jahr 2005 nahm Weischer an der Prager Biennale und der 51. Biennale Venedig. Er erhielt das Eduard-Arnhold Stipendium (2017), das Stipendium der Deutschen Akademie Rom Villa Massimo, Rom (2007); den Kunstpreis der Leipziger Volkszeitung (2005); das Stipendium der Stiftung Kunstfonds Bonn e.V. (2002) und war Preisträger des August-Macke-Preises, Stadt Meschede (2005) und der Rolex Mentor und Masterstudent Initiative mit David Hockney (2004) unter anderem. Werke von Weischer sind in zahlreichen Sammlungen vertreten, darunter Weserburg, Bremen; Museum Voorlinden, Wassenar; Arken Museum of Modern Art; Museum für Moderne Kunst (MMK), Frankfurt am Main; Gemeentemuseum, Den Haag; MOCA Grand Avenue, Los Angeles und The Saatchi Gallery, London. Seine Arbeit ist Gegenstand mehrerer Monografien.


Text: Harry Lehmann