Annette Kelm | Light Double
König Galerie | 29.9.–11.11.2018
ANNETTE KELM
LIGHT DOUBLE

29 SEPTEMBER – 17 NOVEMBER
ST AGNES | CHAPEL

OPENING: FRIDAY 28 SEPTEMBER, 6 – 9 PM

In the jargon of professional photography, the term “light double” refers to people with whose help photographers optimize lighting conditions before the actual photo session. This method is often used when time is short, with only a few minutes are available for the shoot. In the studio, on the other hand, the method allows photographers to take their time trying out and playing through various lighting scenarios.

The photographic double portrait by Annette Kelm from which this exhibition takes its title shows the artist, musician and publisher Sonja Cvitkovic and the gallerist Johann König. Since they are both wearing the same orange bomber jacket and have adopted a similar pose, it remains unclear whether someone acted as a light double. But the distribution of light and shadow in the lower half of the images actually point to diverging lighting conditions – the difference between hard artificial and softer natural light. In the juxtaposition of two corresponding images, hierarchical constructions and their effects become visible.

Kelm positioned her models on a three-step aluminium ladder in front of a screen to which a piece of fabric with blue, grey and white stripes is attached with magnets. More magnets have been used to attach a shooting target and a darts board. These motifs have played a role in various past works, as in the series Untitled (2006) that shows the reverse of targets riddled with holes. Light Double also refers to Untitled (Portrait on a Ladder) (2009) in which the same ladder already served as an object to sit on. The ongoing history of a studio and the props it contains is thus inscribed in the background. In this context, the picture Big Sur (2018) can be read as another point of orientation: while the title refers to the famous stretch of California coastline that is a focus of longing in America, the arranged metal springs belong to the historical inventory of the converted Berlin industrial building in which Kelm now has her studio. As if on a stage, Kelm sets up a “mechanical theatre” and combines it with specific coastal vegetation. By bringing the objects into the space, she gives them the character of readymades, in turn making the space itself into a key tool in her practice.

Kelm’s pictures often feature situations that point to her interest not in closure and sealing but in permeability and openness, as when she emphasizes the fragmentariness of what is shown, or when details like the folds in a scarf foreground an arrangement against spatial depth. Folds, as they appear in Holiday Season (2018), have a function, contrasting with the all-too-smooth surfaces and fetishized objects in commercial photography, whose visual vocabulary the artist appropriates in an ironic, conceptual way. Tomato Target (2018) places a tomato plant with unripe fruit at the centre of a nested arrangement in which the motif of a target is referenced associatively in the sense of multiple perspectives and focusses.

Themes of seeing and showing, the constructedness of pictures, and discrete revelations of the circumstances of her artistic production run through her oeuvre, in which documentary and staged photographs stand side by side. The documentary image Ludwig Stiftung Aachen, Basement 2018 (2018), included in the show, can also be interpreted in this way, dealing as it does with both what is not shown and what is obvious. A year ago, when Kelm was invited by the Ludwig Foundation to photograph the famous collector couple’s former house, in the basement she came across this scene with a crucifix, a rococo dwarf, remnants of wallpaper and two marble busts of the house’s former inhabitants by Arno Breker (official state sculptor to the Nazis) . Different times and aesthetics, profanity and holiness, come together in a vaulted brick cellar. The heaviness of the anti-modern rustic style feels oppressive. Like everything in the basement, the two heads (which the artist photographed as she found them) have a history: in 1986, the collector, patron and chocolate factory owner Peter Ludwig and his wife Irene caused a cultural and political scandal. It became known that they were planning to install two marble portrait busts by Arno Breker in the newly built Wallraf-Richartz-Museum / Museum Ludwig in Cologne. Writing a few years ago about the house built for the Ludwigs in Aachen’s Südviertel neighbourhood in the 1950s, Eduard Beaucamp stated that “beauty and domestic harmony” were the uppermost guiding principles: “Nothing pushes itself into the foreground, there is nothing out of character that breaks with the bourgeois canon.” Kelm vehemently contradicts such an interpretation by placing the betrayal of humanist values, and hence the abjectness of the bourgeoisie, at the centre of the picture.

Annette Kelm (*1975, Stuttgart) lives and works in Berlin. She belongs to the most important representatives of contemporary photography from Germany. Beside important group exhibitions like the 54th Venice Biennale (2011) and the survey show on portrait in contemporary photography at the Kunstmuseum Bonn and the Kunsthalle Nürnberg (2016), her works have been presented within solo exhibitions at international institutions such as Kunsthalle Wien, Vienna (upcoming in 2018), kestnergesellschaft Hanover, Germany (2017) the Museum of Contemporary Art Detroit (2016), VOX. Center of Contemporary Image, Montréal (2016), Kölnischer Kunstverein (2014), Städel Museum, Frankfurt am Main (2012), KW - Institute for Contemporary Art, Berlin (2009), Kunsthalle Zürich (2009) and Witte de With, Rotterdam (2008). At the time of the opening Kelm’s works are on display in a solo exhibition at the Fosun Foundation, Shanghai and from December onward at Kunsthalle Wien, Vienna.

In 2016 Annette Kelm has recently received the Camera Austria-Prize and is represented in collections of the Tate Modern, London; Museum of Modern Art, New York, Centre Pompidou, Paris; Kunsthaus Zürich, Switzerland and the Guggenheim Museum, New York amongst others.


Text: Kito Nedo


ANNETTE KELM
LIGHT DOUBLE

29. SEPTEMBER – 17. NOVEMBER
ST AGNES | CHAPEL 

ERÖFFNUNG: FREITAG 28. SEPTEMBER, 18 – 21 UHR

Als „Lichtdouble“ werden im Jargon der professionellen Fotografie Menschen bezeichnet, mit deren Hilfe Fotografen vor dem eigentlichen Shooting die optimale Beleuchtung für eine Fotosession einrichten. Auf diese Methode wird oft zurückgegriffen, wenn Eile geboten ist und für das Fotografieren nur wenige Minuten zur Verfügung stehen. Im Studio hingegen lassen sich auf diese Weise verschiedene Beleuchtungsszenarien in Ruhe austesten und durchspielen.

Das gleichnamige fotografische Doppelportrait von Annette Kelm, welches dieser Ausstellung den Titel gibt, zeigt die Künstlerin, Musikerin und Verlegerin Sonja Cvitkovic sowie den Galeristen Johann König. Da die beiden Portraitierten dieselbe orangefarbene Bomberjacke tragen und sich ähnlich in Pose stellen, ist die Frage, ob hier jemand als Lichtdouble fungierte, nicht eindeutig zu klären. Die Licht- und Schattenverläufe in der unteren Bildhälfte weisen jedoch auf tatsächlich unterschiedliche Lichtverhältnisse – die Differenz von hartem Kunst- und weicherem Tageslicht hin. In der Nebeneinanderstellung zweier korrespondierender Bilder werden hierarchische Konstruktionen und ihre Effekte sichtbar.

Kelm positionierte ihre Modelle jeweils auf einer dreistufigen Aluminiumleiter vor einer Stellwand, auf der ein blau-grau-weiß-gestreifter Stoff mit Hilfe von Magneten gespannt ist. Mit Magneten sind auch Wettkampf-Zielscheiben-Auflagen aus dem Bogen- und Dartsport befestigt. Auf diese Weise greift die Künstlerin auch Motive auf, die bereits in der Vergangenheit in ihrem Werk verschiedentlich eine Rolle spielten, etwa in der Serie „Untitled“ (2006), welche die Rückseiten von durchlöcherten Zielscheiben zeigte. „Light Double“ verweist zudem auf „Untitled (Portrait on a Ladder)“ (2009), bei dem diese Leiter bereits als Sitzutensil diente. Die Geschichte eines Ateliers und den in ihm vorhandenen Requisiten schreibt sich so im Hintergrund fort. Als eine Form von Verortung kann in diesem Zusammenhang auch das Bild „Big Sur“ (2018) gelesen werden: während der Titel auf jenen berühmten kalifornischen Küstenstreifen verweist, der ein Sehnsuchtsort in Amerika ist, gehören die arrangierten Metallfedern zum historischen Inventar des umgenutzten Berliner Industriegebäudes, in dem Kelm heute ihr Atelier betreibt. Wie auf einer Bühne inszeniert die Kelm ein „mechanisches Theater“ und bringt es mit der spezifischen Küstenvegetation zusammen. Durch das Hineinnehmen der Objekte in den Raum gibt sie diesen einen Readymade-Charakter. Das macht den Raum, den die Künstlerin auf diese Weise etabliert, selbst zu einem zentralen Werkzeug.

In den Bildern von Kelm begegnet man oft Situationen, die darauf hinweisen, dass die Produzentin nicht an der Versiegelung sondern an Durchlässigkeit und Offenheit ihrer Arrangements interessiert ist. So wird etwa die Ausschnitthaftigkeit des Gezeigten betont oder durch Details, wie Falten im Foulard die Vordergründigkeit eines Arrangements gegen räumliche Tiefe gestellt. Die Falten, so wie sie auch in „Holiday Season“ (2018) auftauchen haben eine Funktion. Sie wirken als Kontrastmittel gegen die allzu gebügelten Oberflächen und fetischisierten Objekte in der kommerziellen Fotografie, deren visuelles Vokabular sich die Künstlerin in konzeptuell gebrochener Weise aneignet. „Tomato Target“ (2018) stellt eine Tomatenpflanze mit unreifen Früchten in das Zentrum eines verschachtelten Arrangements, in dem das Motiv der Zielscheibe im Sinne einer multiplen Blickführung und dessen Fokussierung assoziativ aufgegriffen wird.

Thematiken des Sehens und des Zeigens, die Konstruiertheit von Bildern, sowie das diskrete Offenlegen ihrer Produktionsumstände, ziehen sich wie ein roter Faden durch das Werk, in dem dokumentarische neben inszenierten Aufnahmen stehen. So lässt sich auch das ebenfalls ausgestellte dokumentarische Bild „Ludwig Stiftung Aachen, Basement 2018“ (2018) lesen, das zugleich von Nicht-Gezeigtem und Offensichtlichem handelt. Als Kelm vor einem Jahr auf Einladung der Ludwig-Stiftung im ehemaligen Wohnhaus des berühmten Aachener Sammlerpaares fotografierte, stieß sie im Keller des Gebäudes auf diese Kellerszene mit Kruzifix, Rokoko-Zwerg, Tapetenresten und zwei Marmorbüsten der ehemaligen Hausbewohner von Arno Breker. Verschiedene Zeitlichkeiten und Ästhetiken, Profanität und Sakralität treffen in einem Backstein-Kellergewölbe aufeinander. Die Schwere der antimodernen Rustikalität wirkt erdrückend. Wie alles dort haben auch die beiden Köpfe – welche die Künstlerin so wie sie diese vorgefunden hatte, fotografierte – eine Geschichte: Im Jahr 1986 lösten der Sammler, Mäzen und Schokoladenfabrikant Peter Ludwig und seine Frau Irene einen kulturpolitischen Skandal aus. Es wurde bekannt dass sie die Aufstellung zweier Marmor-Portraitbüsten von Arno Breker im Neubau des Kölner Wallraf-Richartz-Museum / Museum Ludwig planten.  „Schönheit und wohnliche Harmonie“ seien die obersten Prinzipien, die im Hause Ludwig herrschten, schrieb Eduard Beaucamp vor ein paar Jahren über das in den Fünfzigern errichtete Haus der Ludwigs im Aachener Südviertel. „Nichts drängt sich vor, nichts fällt aus der Rolle und zerschlägt den bürgerlichen Kanon“. Kelms Bild widerspricht einer solchen Interpretation vehement, indem sie den Verrat an humanistischen Werten, mithin das Bürgerliche Elend selbst in das Zentrum ihres Bildes rückt.

Annette Kelm (*1975, Stuttgart) lebt und arbeitet in Berlin. Sie gehört zu den wichtigsten Vertetern zeitgenössischer Fotografie aus Deutschland. Neben Gruppenausstellungen wie der 54. Venedig Biennale (2011) und der Ausstellung über das Portrait in der zeitgenössischen Fotografie im Kunstmuseum Bonn und der Kunsthalle Nürnberg (2016) wurden ihre Arbeiten im Rahmen von Einzelausstellungen in internationalen Institutionen präsentiert, darunter kestnergesellschaft Hannover (2017), Museum of Contemporary Art Detroit (2016), VOX. Center of Contemporary Image, Montréal (2016), Kölnischer Kunstverein (2014), Städel Museum, Frankfurt am Main (2012), KW - Institute for Contemporary Art, Berlin (2009), Kunsthalle Zürich (2009) und Witte de With, Rotterdam (2008). Zum Zeitpunkt der Ausstellungseröffnung sind ihre Arbeiten in einer Einzelausstellung in der Fosun Foundation, Shanghai, zu sehen und werden ab Dezember in der Kunsthalle Wien ausgestellt.

Annette Kelm wurde 2016 mit dem Camera Austria-Preis ausgezeichnet und ist in namhaften Sammlungen vertreten, darunter jene der Tate Modern, London; des Museum of Modern Art, New York, des Centre Pompidou, Paris; des Kunsthauses Zürich, Schweiz und des Guggenheim Museum, New York.

 

Text: Kito Nedo